SALVATOR ROSA O EL ARTISTA, DE FRANCISCO NIEVA

Francisco Nieva, con noventa años, es uno de los dramaturgos vivos más importantes del teatro español. Descolló en sus inicios como escenógrafo y luego como director de escena, pero su nombre parece haber quedado más ligado a la dramaturgia. Y es que en el teatro, por mucho que nos empeñemos, los textos son los que más fácilmente se transmiten y perduran, mientras que los demás elementos, aunque forman parte de una tradición, caen más fácilmente en el olvido.

Salvator Rosa o El Artista es una obra de tono farsaico pero ampulosamente albergada en un mundo denso y barroco, muy propio del autor. Ambientada en el s. XVII, la obra nos traslada un punto de vista singular sobre el arte y nosotros mismos. Y estos somos, también, España y los españoles, vistos desde el Nápoles barroco del siglo de Oro. Algunos fustigadores del supuesto antipatriotismo achacan a estos ejemplos nuestra falta de coherencia nacional, mientras que los contrarios piensan que hay que estar permanentemente pregonando nuestras debilidades para superar nuestras inconsistencias. El quijotismo surge, también, como cobertura a estos dos postulados, bien en sentido positivo o negativo. Y luego llegan de fuera y se lo toman al pie de la letra. El caso es que no hay que tomárselo todo a la tremenda. Cabe la autocrítica sin necesidad de llegar a la autoinmolación colectiva.

Salvator Rosa fue un pintor napolitano de signo postbarroco, cuyas obras tienen una mayor agitación o movimiento, que en la obra teatral rivaliza con José Ribera, llamado “lo spagnoleto”, que pareciera encarnar una tendencia más realista o estática. Esta dualidad parece querer trasladarse al plano político en medio de una revuelta popular en el Nápoles de la obra. Se protesta contra la subida de impuestos del virrey español, lo que conforma una oposición de indignados sin una clara orientación política. Este seguramente es uno de los aspectos valorados por Guillermo Heras, el director de escena, para montar esta obra. La misma fue escrita en los años setenta y no estrenada hasta ahora, entre otras cosas, por la carestía de su puesta en escena.

Paralelismos aparte, el pescadero Masianello encabezará una revuelta abocada al fracaso, donde Salvator Rosa, un buen Nancho Novo, recogerá todo el protagonismo, así como sin querer, enamorando a dos mujeres que están encantadas de compartirle. Surrealismo a mansalva que se refleja, sobre todo, en los diálogos y situaciones grotescas, pero que encierran una gran carga crítica sobre el mundo en el que vivimos.

En definitiva, una puesta en escena hiperbarroca que traslada plenamente el espíritu y el sentido de la obra de Francisco Nieva, y que sigue estando más vigente de lo que nos pudiera parecer. Y eso ocurre con gran parte de las obras antiguas. Muchos las desdeñan por viejas y desfasadas, pero las verdaderas obras de arte tratan temas universales. Por eso puede seguir sacándoseles su jugo y son susceptibles de ser actualizadas para muy diversos contextos. Basta con no forzarlas hacia aquello para lo que no están escritas o querer comprar un jamón de pata negra por dos reales.

SALVATOR ROSA O EL ARTISTA, DE FRANCISCO NIEVA

Dirección: Guillermo Heras.

Reparto: Isabel Ayúcar (Gezabel),  Beatriz Bergamín (Rubina),  Alfonso Blanco (Pittichinaccio),  Javier Ferrer (Bailarín),  Gabriel Garbisu (Masanielo),  Carlos Lorenzo (Spadaro),  Ángeles Martín (Floria), Juan Matute (Batuel),  Juan Meseguer (Cebadías),  Nancho Novo (Salvator Rosa),  Sergio Reques (Falcone),  Sara Sánchez (Lavinia),  José Luis Sendarrubias (Bailarín),  Alfonso Vallejo (Ribera)

Una producción del Centro Dramático Nacional.

Teatro María Guerrero de Madrid.

Sábado 7 de marzo de 2015

LA SANGRE DE ANTÍGONA, DE JOSÉ BERGAMÍN

Dentro del ciclo "Una mirada al mundo" llega al CDN esta coproducción, con la Compañía Nacional de Teatro de México, de La sangre de Antígona de José Bergamín (1895-1983), uno de los grandes intelectuales exiliados después de nuestra guerra civil. Esta propuesta escénica nace de la magnífica dirección del español Ignacio García y una versión del hijo del propio autor, y nieto del mismísimo Carlos Arniches, Fernando Bergamín Arniches, sin olvidar la estupenda dirección artística de la compañía mexicana ejercida por Luis de Tavira. Todo un lujo al que hay que añadir un elenco actoral mexicano de auténtica calidad, entre los que destacan una Antígona sublime encarnada por Érica de la Llave y una feminizada Tiresías a la que da vida la mítica actriz Rosenda Monteros.

  

La Antígona de Sófocles privilegia el dilema moral de la protagonista, que pone de relieve la disensión entre la justicia divina y la humana. Muertos sus hermanos, Eteocles y Polinices,  y habiéndose matado entre ellos en el asalto a Tebas, ya que cada uno luchaba en un bando, el rey Creonte niega la sepultura al segundo por haber luchado contra los vencedores. Entonces Antígona reclama el derecho a enterrar a su hermano, debido a que en la muerte debemos ser todos iguales. Hay que recordar que esta obra es parte del ciclo Tebano, donde todos estos son hijos de Edipo, y el nuevo rey es su tío, hermano de la reina Yocasta. La maldición de los padres se extenderá y continuará en sus hijos en una deriva que lleva a la extinción de la extirpe incestuosa.

  

En La sangre de Antígona prevalece la cuestión fraticida sobre el dilema que llevará a su protagonista hacia la muerte. Es una clara reminiscencia de la guerra civil española, tamizada por el culto a la muerte tan mexicano, que dota al espectáculo de un ambiente lúgubre y de intensa emoción. Si a esto añadimos la confesa inclinación del autor, que siempre se consideró cristiano, y al cristianismo más próximo al comunismo que al capitalismo, completamos un cóctel perfecto de sensaciones, de gran potencia poética y claro sentido reconciliador. Este no excluye otro reivindicativo, del igual derecho de todos a enterrar a sus muertos, sin olvidar que la obra fue escrita en 1955, y que se ha manifestado en los últimos años  bajo la denominación de  "memoria histórica", evidenciando algunos flecos y chapuzas derivados de nuestra modélica transición a la democracia.

El espacio sonoro, en clave procesional de Semana Santa, provee al conjunto escenográfico de una gran solemnidad. Una estructura móvil divide el escenario en dos partes al inicio del espectáculo, y posteriormente configura los diferentes espacios, llegando incluso a ocupar todo el escenario en primer término, donde sus 4x2 vanos rectangulares resultan practicables para los actores. En su interior se verifican sugerentes claroscuros y un nivel superior de actuación en el segundo piso.

El texto de Bergamín es esencialmente poético, con claras reminiscencias barrocas, lorquianas, así como de canciones populares. Esta fusión greco-cristiana alcanza su máximo apogeo en el monólogo de Antígona sobre el pan y el vino, al que añade la espada. La acción no es lo que sustenta el espectáculo, sino la emoción y la potencia de las imágenes, a las que se unen multitud de detonaciones de pistola que perturban el evidente tono de recogimiento del resto de la obra. El vestuario está actualizado en los hombres, que visten uniformes militares fascistoides, mientras que las mujeres aparecen con un predominio de la túnica o toga griega. Aquí destaca el papel del coro, que ha sido transformado en un coro femenino, que aporta una visión materno-filial, muy apropiado para el giro dramatúrgico instaurado.

Es de agradecer el poder seguir viendo un teatro que te llega al estómago, que sin perderse en peripecias inútiles, lleva al espectador donde quiere llevarle, que le atrapa en su butaca y es capaz de llegarle a lo más hondo. Teatro de verdad. Con sentido y para los sentidos.

  

LA SANGRE DE ANTÍGONA, DE JOSÉ BERGAMÍN

COMPAÑIA NACIONAL DE TEATRO DE MEXICO

DIRECCIÓN: IGNACIO GARCÍA

VERSIÓN: FERNANDO BERGAMÍN ARNICHES

TEATRO MARÍA GUERRERO DE MADRID

CICLO UNA MIRADA AL MUNDO

13 DE SEPTIEMBRE DE 2014

LOS MÁCBEZ, VERSIÓN DE JAIME CAVESTANY A PARTIR DE LA OBRA DE WILLIAM SHAKESPEARE

Los Mácbez son los Macbeth. Unos gallegos y otros escoceses. Pero son los mismos. La versión de Juan Cavestany es bastante fiel al original. Se han efectuado una serie de cambios para trasladar la acción a la Galicia actual, además de readecuar todos los personajes para la puesta en escena. Reyes y condes son ahora Directores Generales y Consejeros de la Xunta. Pero los temas del poder y la corrupción siguen más que vigentes en la sociedad, por eso los clásicos siguen siendo plenamente actuales. 

La puesta en escena que propone Andres Lima es frenética. Destacan la escenografía minimalista, donde un habitáculo en forma de cubo distorsionado, con paredes blancas y tres sillas transparentes, se conforma como único espacio de actuación, además del proscenio. Solo hay dos puertas de acceso. Una perpendicular al público, a la izquierda, también distorsionada en perspectiva, y una frontal a la derecha del público y fuera del cubo. La luz se convierte así en protagonista cambiante de una acción trepidante, matizando situaciones o enmarcando los diferentes niveles cognitivos. El espacio sonoro también tiene una presencia abrumadora, siendo fundamental a la hora tanto de diferenciar como de armonizar el conjunto escénico prácticamente vacío. Por eso la extraescena es otra de las protagonistas fundamentales de esta propuesta. Fuera de escena sucece, acontece, se alude o se presagia mucho de lo que vemos en el escenario.

Los actores de reparto están sencillamente maravillosos. Todos doblan varios personajes y lo hacen a la perfección, sin que al espectador se pare a pensar o le estorbe que sean ellos mismos quienes continuamente se muestren en escena. Actuaciones contenidas o desbordantes,  multi-registro, que verifican sus cambios, incluso de vestuario, muchas veces sin salir de escena, convirtiendo el escenario en un verdadera retablo de los prodigios. Y todo ello teniendo que transmutar de la comedia a la tragedia en cuestión de segundos y cambiando radicalmente de identidad.

Macbeth era una tragedia. Es una tragedia. Pero estos Mácbez tienen un punto de comedia. De comedia macabra, diría yo. Algunos han tildado la obra de comedia negra, pero negra no puede ser cuando no es asunto de la trama averiguar la figura del asesino, que todos los espectadores conocen ya que las muertes de verifican muchas veces en escena. Comedia sangriento-filosófico-neuronal, diría yo en otro tiempo.  Pero sólo en pequeñas dosis. Que no está el poder, o los que lo detentan, para tonterías.

Y esto entronca con los protagonistas. Mácbez y la señora Mácbez. Javier Gutiérrez encarna un Mácbez cobarde y miserable, como debe de ser. Gasta un tono lloroncete y apocado que contrasta con esos momentos de efusividad y demasía. Bien, en general. Carmen Machi no está mal cuando se pone seria, aunque no logra darle ese matiz de mujer fatal y manipuladora, enigmática y sensual  que proyecta el imaginario de Lady Macbeth. Lo peor es cuando se pone histriónica, aunque no lo prodiga en esta obra, y le sale eso suyo característico, esa Aida que lleva dentro que te rompe la magia. 

Esto viene a cuento del viejo tema de los figurones televisivos en el teatro. En su derecho están de hacer teatro. Faltaría más. Algunos forman compañía o se juntan con algún avezado e intrépido productor y logran grandes resultados de taquilla y/o artísticos. Otra cosa es que en tiempos de crisis copen los protagonistas en el teatro público, desplazando a otros actores netamente de teatro, que intentan abrirse paso o mantenerse en medio de esta cruenta crisis. Ya lo digo yo….Así es la vida. 

LOS MÁCBEZ, VERSIÓN DE JAIME CAVESTANY A PARTIR DE LA OBRA DE WILLIAM SHAKESPEARE.

DIRECCIÓN: ANDRÉS LIMA.

TEATRO MARÍA GUERRERO DE MADRID.

MARTES 3 DE JUNIO DE 2014.

COMO GUSTÉIS, DE WILLIAM SHAKESPEARE

Pocas veces me salgo de un teatro, y esta ha sido una de ellas. Lo siento por Shakespeare, ya que nunca habría pensado cometer tal osadía. Pero es que hay cosas...

Como gustéis es una comedia en la que el bardo deriva los conflictos palaciegos hacia un ámbito cuasi pastoril, el bosque de Arden, donde entre equívocos, pantomimas y filosofía, los amores podrán florecer lejos de la civilización, sujeta esta férreamente al egoísmo humano.

Podemos, se puede, convertir el epílogo en un prólogo. Y no pasa nada. Podemos crear una escenografía sugerente y vestir a los personajes de bonitos trajes. Podemos involucrar a un montón de artistas. Pero no podemos derrochar su talento (y el dinero de todos). Podemos transgredir a Shakespeare, pero no debemos banalizar y desactivar todos sus recursos para terminar haciendo de su obra algo soso y aburrido, falto de emoción y perspectiva. 

Denominar comedia con música para actores a esta puesta en escena es tener ganas de... justificar lo injustificable. Porque lo que parece es que se ha cogido un texto de teatro clásico, se ha añadido música de todo estilo y pelaje y se ha agitado la coctelera. Y ha salido lo que ha salido. Porque los números musicales no están justificados. No ilustran, no recalcan, no revelan, no emocionan, no nada... de nada. Simplemente se pone a toda la compañía a cantar. Y unos cantan más que otros. Algunos, decididamente, muy bien. Pero me pierdo. Me pierdo entre canción y canción. Y de canción a canción me aburro.

La parte actoral se verifica en verdadera histeria durante la primera parte. Peleas, gritos y estridencias envuelven entradas y salidas precipitadas que hace que los actores tengan que volver a escena para terminar sus parlamentos. Y otra vez, hasta la saciedad. Los personajes se rebelan ante sus oponentes y desoyen toda lógica interna en un afán de gritar más que el contario. Y para suavizar nos echamos una cancioncita. Parece que se van calmando las cosas cuando llegamos a nuestro idílico bosque, aunque ya es demasiado tarde para filosofías...

Y llega el intermedio, después de hora y media. Y queda otro tanto. Aun así, parece, según leo por ahí, que la cosa no mejora en la segunda parte, sino todo lo contrario Y me digo, y nos decimos... ¿nos tomamos una caña? Y ahí está Lavapiés, como siempre. Ajeno al crimen que se está cometiendo con uno de los más grandes poetas del teatro mundial. Y no echo ni una lágrima. ¿Es posible que yo sea un calamar?, me pregunto. Y yo mismo me respondo que no. Que así es la vida...Y el teatro. Otra vez será...

COMO GUSTÉIS, DE WILLIAM SHAKESPEARE.

TEATRO VALLE-INCLÁN DE MADRID

29 DE MAYO DE 2014

EL ARTE DE LA ENTREVISTA, DE JUAN MAYORGA

Continúa la programación de autores españoles en el Centro Dramático Nacional con la obra El arte de la entrevista de Juan Mayorga. Nuestro ínclito Premio Nacional de Literatura Dramática 2013 presenta una obra sobre la intimidad familiar, que trata de la memoria y el olvido, del futuro y del pasado, de la realidad y la ficción, de quienes somos, como creemos que somos y como creen los demás que somos.

El desarrollo dramatúrgico de la obra se basa en un planteamiento aparentemente banal, como es la introducción de una cámara de video en ese entorno familiar a propósito de un trabajo escolar de la nieta. Esta introducción genera dudas en el espectador, que no acaba de engancharse a la acción hasta pasados veinte minutos en que se termina de presentar a los personajes. Abuela, hija y nieta, así como un muchacho que, a modo de entrenador personal, llega a la casa para atender a la abuela. A partir de ahí se suceden con fluidez los diálogos generados de dos en dos entre todos los personajes, que terminan entrevistándose todos a todos. 

El hilo conductor serán las revelaciones de la abuela, a propósito de una supuesta aventura amorosa de cinco meses, que transcurre en Alemania (patria imaginaria referencial del filósofo-autor), mientras que sus dos hijas pequeñas creían que se encontraba enferma en el hospital. Ficción de una mente en proceso de desestructuración o realidad revelada por alguien a quién nadie nunca preguntó. A partir de esta dicotomía gira la distorsión de unas vidas plácidas de clase media que tendrán que enfrentarse a esta nueva realidad.

El desenlace de todo este cruce de confidencias, que desencadena esta serie de entrevistas multilaterales, es lo más flojo del conjunto. El bello final disfórico destapa la inexistencia de conflicto entre los personajes y deja al espectador desconcertado ante una exposición dialogística inteligente y sagaz, pero que se manifiesta vacua e ineficaz. Los conflictos internos de los personajes son los únicos que se han evidenciado en escena, quedando el conjunto como una amalgama de vidas desconectadas que se eternizan en su particular diálogo de sordos. 

La puesta en escena, dirigida con mesura por Juan José Afonso, se sitúa espacialmente en el jardín de una casa grande o chalet, cuya estructura se insinúa en un lado derecho más elevado, mientras que todo el fondo está recorrido por un muro de ladrillo amarillento salpicado de algunas plantas colgantes. Diversos muebles de jardín configuran el espacio de actuación donde predomina la luz clara del día, que acentúa la sensación de realismo. Las salidas de escena de los personajes se efectuarán por el lado derecho hacia la casa y por el izquierdo hacia la calle.

Interpretativamente hay que destacar a Alicia Hermida, que hace el papel de la abuela, y que alcanza por momentos el estado de lo sublime. Su extrema fragilidad física choca vivamente con la fuerza interior que insufla al personaje. Sus devaneos memorísticos hacen posible la configuración de un discurso potente que nace en su interior y se contrasta sólo parcialmente con los otros personajes, que no dejan de tratarla como a un ser mutilado. La riqueza de su interpretación va desde esa desmemoria hasta la hondura más profunda y conmovedora del ser humano que sigue residiendo en ese cuerpo que el resto percibe como el de una vieja desechable. Pamplinas y pamplinerías no son suficiente anclaje para quién se sabe ya un estorbo. 

Programa de mano

La nieta actúa como objeto desencadenante de la acción, pero aporta poco más que su juventud como contraste. La hija es la que hace de puente entre ambas ingenuidades, de abuela y nieta, y soporta sobre sus hombros todo el peso de la vida real, que no necesariamente coincide con la vida emocional de todas ellas. El único hombre en escena, ese extraño entrenador personal, es un personaje simpático y vivaracho, que intenta contrabalancear los excesivos duetos de la obra y que a duras penas consigue introducir un punto de vista externo.

Destellos interpretativos y dialogísticos para una obra que quedó algo varada en el amplio escenario del teatro María Guerrero.

EL ARTE DE LA ENTREVISTA

DE JUAN MAYORGA

DIRECCIÓN: JUAN JOSÉ AFONSO

CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

TEATRO MARÍA GUERRERO DE MADRID

MARTES 1 DE ABRIL DE 2014

EL VIAJE A NINGUNA PARTE, DE FERNANDO FERNÁN GÓMEZ

La autorreferencialidad es uno de los recursos artísticos que producen un efecto más clarividente en el mundo del teatro. No son pocos los ejemplos que podrían ponerse al respecto. Suelen provocar en el espectador una incorporación del mismo a la escena, mediante el establecimiento laberíntico de un juego de espejos donde se diluye, en cierta manera, la cuarta pared para hacer más accesible la ficción teatral.

Programa de mano

Es curioso que el El viaje a ninguna parte, de Fernando Fernán Gómez, no nazca como metateatro, sino que en origen sea una novela, que su mismo autor adaptará, dirigirá e interpretará para el cine. Su adaptación al teatro llega ahora de la mano del texto de Ignacio del Moral y la dirección escénica de Carol López. Intentando no repetirme más que el ajo, apuntaré que el que se siga insistiendo, ridículamente y desde instituciones como el CDN, en denominar versión a lo que es una adaptación de un género artístico a otro, raya ya en lo hilarante. De cualquier obra pueden hacerse infinitas versiones o reinterpretaciones de la misma. Ahora bien, cuando se traspone una obra artística de un género a otro, esto en castellano y español se denomina adaptación. Y no se llama así por caprichos nominalistas, sino porque las palabras dentro de un idioma han ido adquiriendo un sentido que no puede quebrarse por el capricho de algunos ilustrados de poca monta que no cuidan el lenguaje. Y cuando es evidente que no se trata de una transformación impuesta por la práctica cotidiana sino por la desidia.

Dicho esto  hay que reconocer que esta adaptación, tanto textual como escénica, me parece de gran mérito. Sin haber leído la novela, hay que referirse necesariamente a la película, ya mítica, que sustenta esta obra en el imaginario colectivo. Y hay que decir que esta puesta en escena sale airosa ante tan complicado reto. 

Argumentalmente se ha elegido centrarse en el periplo de la compañía Iniesta-Galván, desde la llegada del adolescente gallego e hijo ilegítimo del primer actor hasta la disolución de la compañía teatral vagabunda y ambulante. Se ha optado por mantener la ficción de que todo lo cuenta este primer actor, Carlos Galván, que desde su senectud rememora su vida como actor. Curiosamente la parte reflejada en la puesta en escena, y más alejada en el tiempo, es la que parece ser más real y apegada a la realidad, llena de dificultades e ilusiones que se van diluyendo. La parte eludida en la puesta en escena correspondería a la llegada del protagonista a Madrid, que refleja un mayor grado de fantasía ya que refiere triunfos que parece que nunca tuvieron lugar. El mantener esta especie de narrador sería la única pega que yo le pondría a la adaptación, ya que sin la parte final en el asilo no termina de entenderse y no parece que aporte mucho a una historia que ya es atractiva por sí misma.

Actoralmente la puesta en escena se nos presenta en un tono muy comedido que contribuye a hacer verosímiles unos personajes que viven de hacer reír pero cuya vida transcurre en unas circunstancias muy duras. La grandiosidad de la obra se establece en la dicotomía entre un mundo en extinción y la savia nueva que viene a revolucionarlo para finiquitarlo. Esta disyuntiva tiene su máximo exponente en la rivalidad con el cinematógrafo, tanto en la competencia de su exhibición como en su posibilidad como alternativa vital.

Este choque se refleja magistralmente en la escena del “señoriiiiiitoo” donde el abuelo hace una prueba para el cine. Siempre recordaré esta escena hecha para el cine por Fernán Gómez como una de las más hilarantes que haya visto jamás. Pero también hay que decir que Miguel Rellán hace posible que uno pueda revivirla en vivo sin complejo ninguno. Un Rellán que curiosamente he estado viendo toda esta temporada en el teatro Valle-Inclán sentado pocas filas detrás de mí y que ahora ha saltado al escenario. Un escenario y un mundo teatral muchas veces ingrato, como bien dejan patente los personajes de la obra, que se debería de dar el lujo de ofrecer un gran papel a este gran actor español.

También hay que destacar a Antonio Gil, que encarna un Carlos Galván muy acertado, camaleónico y serio, que sostiene y reparte a la perfección el peso de la obra. También destacaría a Tamar Nova que hace un pánfilo muy gracioso, y a todo el elenco que sabe cambiar de registro cuando es necesario de forma admirable. Una pequeñita puya metería al sugerir que pudiera formarse la compañía Molina-Viyuela, más que nada por el exceso de vástagos y parentelas en producciones públicas. Y con esto no digo que esté en contra de las sagas familiares en el teatro, pero parece que hoy el mundo escénico es algo más variado. Aunque este país es el que es.

Elenco

Todo el entramado escenográfico se muestra más alusivo al ambiente externo, polvoriento y desangelado de un territorio  inhóspito manchego, que a reflejar con detalle el ámbito interno mísero y decadente de una España de posguerra.  Algunas proyecciones hacen referencia a los sueños de grandeza del protagonista, mientras que luces, vestuario y atrezo contribuyen de forma simple y eficaz a conformar los diversos espacios y situaciones mediante índices y referencias mínimos. El movimiento de los actores resalta por el contraste entre la viveza gestual individual y la conformación de conjuntos parsimoniosos que entroncan con un devenir más genérico, tanto vital como físico.

Fernán Gómez creo que daría el visto bueno a esta adaptación. Aunque seguro que en ese momento llegaría alguien a preguntarle por la versión. GRRRRRRRR.

EL VIAJE A NINGUNA PARTE
de FERNANDO FERNÁN GÓMEZ
Dirección: Carol López
Teatro Valle-Inclán de Madrid. Jueves 13 de marzo de 2014